Cultura

Parte da un soggetto senza dubbio curioso questo lungometraggio che fin dal titolo parla di un possibile ritorno: “Volveréis” è infatti un film che parla di ricordi e malinconie, temi da affrontare mentre ci sono scatoloni da svuotare e decisioni da prendere. Ciò che emerge da quel passato condiviso va a scontrarsi con i sentimenti di un presente che si sta creando sotto i loro occhi e anche, forse, con la possibilità di un nuovo inizio, decisamente inatteso e capace di mettere in discussione le certezze costruite in anni di vita insieme.

Un film di contraddizioni

Festeggiare una separazione non è l’unica contraddizione di una pellicola che ragiona sul senso spesso paradossale dello stare insieme, attraverso numerosi ossimori e momenti in cui anche lo stile della regia va a mescolare registri molto diversi.

Tra il dramma esistenziale e la commedia delicata, “Volveréis” soffre di qualche didascalismo di troppo, ma la scrittura è efficace e la costruzione dei personaggi credibile al punto giusto.

Il lato metacinematografico ha momenti superflui (la linea che divide realtà e finzione non è così ficcante), mentre sono davvero brillanti e originali quelli inerenti a ciò che sono l’amore e i sentimenti: Trueba non scade nella retorica, ma usa l’ironia, dando vita a una pellicola agrodolce che riesce anche a divertire in alcuni passaggi.

Buono prova dei due protagonisti Itsaso Arana e Vito Sanz.

Al via la 6a Stagione di Musica con Vista, trentasei concerti che animano giardini, chiostri e dimore storiche – parte integrante dell’identità e del patrimonio culturale del nostro Paese – da Trento a Palermo, in un viaggio musicale e non solo. Un turismo lento, appassionato e curioso, alla scoperta di un’Italia nascosta, creando un ecosistema composto da operatori culturali, enti che preservano il patrimonio storico e comunità locali, all’interno del quale risorse e bisogni interagiscono in un’economia circolare. Anche a Roma musica nei giardini, quelli dell’Accademia Filarmonica, alle pendici di Villa Borghese. E a Milano radicalmente altra musica, con i Massive Attack, ma sempre nel verde, vicino a Linate.

Venezia

Il 21 il Belinfante Quartet all’Orto Giardino del Redentore dà il via al festival Musica con Vista, quest’anno con 36 concerti in calendario nelle città e nei borghi più belli d’Italia. L’obiettivo del Festival è come sempre quello di sostenere la nuova generazione di giovani talenti della musica da camera, valorizzare il patrimonio culturale italiano, creando al contempo un’attività turistica diffusa, offrendo attività non solo legate alla musica. Il Festival promuove un turismo lento, appassionato e curioso, avvicinando un pubblico eterogeneo alla scoperta di un’Italia nascosta, creando un ecosistema composto da operatori culturali, enti che preservano il patrimonio storico e comunità locali.

Roma

Il 19 giugno al via I Giardini della Filarmonica, festival estivo dell’Accademia Filarmonica Romana, fra musica e tradizioni dal mondo; fino al 2 luglio, nello spazio verde dei Giardini dell’Accademia, un angolo riservato nel cuore di Roma, alle pendici di Villa Borghese e a pochi passi da piazza del Popolo. Dall’Alaska al Mare Nostrum, attraversato per millenni da un crogiolo di culture, la musica risuonerà con i ritmi e i suoni dal Giappone, Armenia, Germania, Iran, Stati Uniti, Austria, Argentina e Colombia, trasformando i Giardini in uno spazio aperto allo scambio e all’incontro di diverse culture, con un’attenzione anche all’ambiente e al suo delicato equilibrio.

Milano

Il 18 giugno con i Massive Attack si inaugura il Parco della Musica di Milano, un’area di 70mila mq immersa nel verde nei pressi di Linate, con punti ristoro. Le band che lo hanno scelto come unica data italiana sono i Nine Inch Nails (24 giugno) e Kool & The Gang (29 giugno); mentre apriranno a Milano il loro tour italiano, oltre ai Massive Attack, Ozuna (20 giugno) e The Smashing Pumpkins (30 luglio). The Who(22 luglio) di Pete Townshend e Roger Daltrey, assenti a Milano dal 2016.

I Caroline nascono a Londra verso la fine degli anni Dieci del Duemila, quando tre studenti universitari – Jasper Llewellyn, Mike O’Malley e Casper Hughes – cominciano a suonare insieme con l’idea di mescolare post-rock, folk e minimalismo. Da quei primi esperimenti ha preso forma un collettivo di otto musicisti; un progetto aperto, dove ogni componente ha voce sul processo creativo e in cui l’improvvisazione ha un ruolo predominante. Il loro esordio del 2022, intimo e malinconico, li ha subito distinti nel panorama londinese per un approccio meno spavaldo rispetto alla scena del revival postpunk dominante. Con “Caroline 2”, il gruppo compie una svolta significativa. Laddove il primo disco era un’esplorazione lenta, radicata nel folk e nell’estetica “slowcore”, qui la band sceglie di giocare con strutture più pop in una metamorfosi controllata, stratificata, che rende l’album accessibile e complesso allo stesso tempo.

La genesi di un’opera coraggiosa

La nascita di “Caroline 2” è una storia di luoghi, voci e intenzioni. A differenza del primo album, che raccoglieva brani nati in periodi diversi, questo secondo lavoro nasce da un processo più circostanziato e condiviso. Ogni canzone è frutto di una scrittura comunitaria e artigianale, dove l’errore diventa parte integrante del risultato. Il brano simbolo di questo approccio è “Coldplay Cover”, registrato in due stanze separate, con metà del gruppo che suonava un brano mentre un altro era interpretato dai restanti membri: il microfono si sposta da una stanza all’altra, ma il risultato, seppur inizialmente straniante, è misteriosamente coerente. Altri episodi sono stati registrati in luoghi insoliti, come cimiteri londinesi, dove le voci si intrecciano col vento e rumori di fondo. Tutto questo rende “Caroline 2” un archivio di esperienze condivise, una testimonianza sonora di ciò che significa fare musica senza fissare confini.

Un lavoro di sperimentazione minimale

L’apertura con “Total Euphoria” è un inno anomalo, dove ogni strumento sembra suonare in un tempo differente, creando un effetto ipnotico che culmina in un climax emotivo tanto sottile quanto devastante. “Tell Me I Never Knew That”, con la partecipazione di Caroline Polachek, fonde folk-pop e autotune in una ballata su cui i riflette una lucente malinconia. “Song Twoì” alterna archi affilati come rasoi a momenti di calore inatteso, mentre “U R Ur Only Aching” è una sequenza in continua mutazione, che passa da un duetto acustico a un’esplosione cantilenante. Il punto più intenso arriva con “Two Riders Down”, in cui disperazione, caos onoro e voci spezzate vengono fagocitati dalla potenza del finale. L’album si chiude con “Beautiful Ending”, un epilogo che sembra fluttuare in uno spazio fuori dal tempo, in una sospensione di sorprendente quiete.

I Caroline esaltano i contrasti, trovano nella cacofonia frammenti di consonanze. Se, come loro stessi hanno affermato, questo secondo album «è una dichiarazione», in questi tre anni l’ensemble britannico ha dimostrato che la fuori c’è tanta musica lontana dai cliché e da fenomeni stagionali. Dobbiamo solo andarla a cercare.

Talvolta i libri hanno nomi fantasiosi, evocativi, un poco furbi, mélo o devianti.
Di luce e polvere di Esther Kinsky ha, invece, una corrispondenza perfetta tra contenuto, titolo e copertina, realizzata con un paesaggio di colori primari – rosso, verde, giallo –, che la stessa scrittrice tedesca cerca addentrandosi in Ungheria. È affamata di una pianura in cui perdersi, simile all’heimat infantile del padre, così piatto da poter scorgere i vagoni del treno all’orizzonte già ore prima del loro arrivo. Trova, invece, in un piccolo villaggio un cinema abbandonato, il Mozi, e decide di rimetterlo in piedi insieme a una coppia di coprotagonisti, “fulminati” dalla passione reciproca dentro a un cinema. In questa regione, dove prevalgono mancanze e assenze, lo sguardo dell’autrice genera una cornice nuova, piena, nella stagione calda, di girasoli, mais, acacie e molti papaveri. Di luce e polvere parla soprattutto di cornici con cui delimitiamo il nostro sguardo e di un’avventura che si trascina dietro inevitabilmente una riflessione sull’amore per il grande schermo e l’“umanità” della sala, un luogo in cui «tutti gli sguardi» sono volti «nella stessa direzione», quella «stabilita dal proiezionista, invisibile al pubblico». Kinsky non fa della cinefilia un tronfio monito, un consiglio da “vecchio saggio”, mostra solo un pervicace e gentile attaccamento alla sala come luogo mitico. Accompagna il lettore, non lo istiga, non lo rimbrotta: «guardare è un’abilità che si apprende… Una capacità di cui si diventa lentamente consapevoli».

L’esergo di John Berger

Non a caso l’esergo del secondo capitolo è una frase di John Berger, il re dello sguardo. Il cinema è, infatti, allenamento, che diventa una dipendenza, o meglio, una nostalgia, quella che si prova pensando alle persone care. O un “mondo-altro”, su cui salire anche quando si è fuori dalla sala, una stanza mentale, dove si attivano i ricordi delle immagini proiettate e la memoria del nostro corpo rispetto allo schermo: prima fila, in fondo, a destra, a sinistra. Di memoria e percezione Kinsky aveva parlato anche in un libro sul terremoto in Friuli del 1976 (Rombo, Iperborea, 2023) con acume e senza retorica identificando il trauma collettivo. Nell’ultimo opera il cordone sotterraneo che tiene insieme tutto è l’infanzia: c’è l’omaggio al padre, che portava ogni tanto lei e i fratelli in «un cinema vicino alla stazione, dove proiettavano un cortometraggio, un film e un cinegiornale a ciclo continuo». Qui avviene la prima esperienza collettiva che poco ha a che fare con la cinefilia. È più che altro un fatto sensoriale e corale: la possibilità di unirsi in qualsiasi momento «allo scarno pubblico, cercarsi un posto al debole chiarore della torcia elettrica della maschera e mettersi a sedere». La bellezza nascosta di poter trascorrere lì l’intera giornata, come rifugio e tana per ripararsi dalle intemperie del meteo, o qualche ora in attesa del treno, tra le nubi di nicotina che fluttuano nella sala, dove stagna un odore stantio.

Ciascuno ha un suo ricordo epico legato a una proiezione

Ciascuno ha un suo ricordo epico legato a una proiezione. Per chi scrive è la visione serale di Un profeta di Jacques Audiard nella vecchia sala-teatro (oggi chiusa) da centinaia di posti a Grado. Fino all’ultimo, sono stata l’unica spettatrice della vasta platea e ho pregato ardentemente di rimanere sola. Ma due minuti prima dell’inizio sono arrivati una coppia e un signore. Pian piano mi sono abituata a combattere l’idea della loro presenza come un’intrusione e a condividere nelle posture fisiche la suspence. Alla fine, siamo usciti silenti e veloci per non incrociare sguardi e commenti. Ciascuno di noi, però, sa che gli altri tre sono stati per due ore “fratelli di cinema”. Per Kinsky la madeleine cinematografica è «la pesante tenda di feltro grezzo all’ingresso, con gli angoli inferiori di pelle o finta pelle che strisciavano sul pavimento di linoleum, la maschera con i capelli arricciati e la faccia stanca, che si preoccupava sempre di trovarci una fila in cui non c’era nessuno». Il padre della scrittrice spesso lasciava i figli al cinema, come se fosse una nanny, e andava a sbrigare delle faccende, trasformando la sala in un luogo di accudimento, a prescindere dal contenuto della pellicola. Al termine, nessuno commentava, ma alla scrittrice è rimasto sempre il sospetto che il padre volesse lasciare ai figli un messaggio attraverso lo schermo. Come nel film in cui si vedeva un treno che attraversava un’immensa pianura, simile a quella vissuta dal padre bambino. Kinsky ha imparato a vivere lo sguardo come una macchina da presa: «La mattina d’inverno come il primo film: un montaggio di diverse prospettive e orientamenti… Passare da una finestra all’altra della casa per vedere il fuori trasformarsi in scorci … e completare col racconto, scorci che all’esterno, avendo rinunciato alla propria cornice, diventavano punti di riferimento grazie ai quali l’Io che guarda determina la propria posizione». Il cinema è un elemento di destabilizzazione, un punto di confronto. I famigerati dibattiti dopo la proiezione non sono altro che questo, l’addestramento al punto di vista altrui. «Ogni villaggio un film, mi venne da pensare. Ogni finestra un cinema».

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La famiglia, gli amici d’infanzia, l’espressione sorridente e quell’aria un po’ svagata che ci portano direttamente in Spagna, prima ancora della musicalità cadenzata della lingua: nella miniserie Tv Carlos Alcaraz. My way, tre puntate prodotte da Morena Films per Netflix, si entra nel mondo del campione di Murcia e si capisce fino in fondo quel che a volte, sul campo da tennis, ha contorni poco chiari.

I passaggi a vuoto, alcuni errori non da lui e una lunga pausa nella costanza dei risultati dal trionfo a Wimbledon 2024 sino a quello di Montecarlo due mesi fa, si spiegano con l’emotività impetuosa del suo carattere ma non solo. C’è qualcosa di più strutturale: il dissidio interiore tra la voglia di diventare il più grande giocatore della storia e la sensazione che il prezzo da pagare sia troppo alto. Che le rinunce siano inaccettabili, alla sua età. Che la felicità non sia sempre e soltanto tennis.

La serie racconta la vita di Carlos lungo i 12 mesi dello scorso anno, inframezzati da immagini del passato, quando a 13 anni il padre lo affidò a un agente, Albert Molina. Fu lui a puntare su Juan Carlos Ferrero, l’ex campione Slam che ha portato Alcaraz alla vetta del ranking costruendo un team vincente con il medico Juanjo López, il preparatore atletico Alberto Lledó e il fisioterapeuta Juanjo Moreno. Sfilano i protagonisti di una famiglia unita, semplice e allegra. Il padre ha sempre amato questo sport e ha giocato ma non poteva permettersi, da ragazzo, di pensare davvero al mondo del professionismo: troppo costoso. Molina procura gli sponsor per suo figlio, accolto nell’Accademia Ferrero. Il quale si ritrova tra le mani un talento. Lo forgia intravedendo una personalità e una voglia di arrivare che possono fare la differenza. E così sarà. L’ascesa si compie rapidamente, in parallelo all’esplosione fisica di Carlos che si struttura mietendo successi e, soprattutto, divertendosi. Il suo sorriso conquista tutti. La consacrazione più importante, a 19 anni a New York, su quel cemento che esalta i suoi colpi: nel 2022 vince gli Us Open e diventa il più giovane numero uno della storia. Al tempo stesso Carlos è legatissimo alle proprie radici, torna a casa non appena può, ama dormire nella sua stanza. Si vedono le tante paia di scarpe da tennis di vari colori in uno scaffale, i suoi trofei… Accarezza quello di Wimbledon dove ha vinto due anni consecutivi, nel ’23 e nel ’24. «Nessuno cucina come mia madre», dichiara fiero tra le risate generali, mentre si festeggia il suo compleanno. Nonna Victoria se lo abbraccia, il fratello Álvaro lo avvisa che uno scappellotto glielo darà sempre. Gli amici lo festeggiano a suon di brindisi.

Questa dimensione, così latina, si scontra con la quotidianità di allenamenti sempre più pressanti, trasferte continue in un circuito che non dà tregua, aspettative in crescita vertiginosa. Una tenaglia, un obbligo che lo soffoca. E così, spiazzando tutti, Carlos annuncia che va a Ibiza qualche giorno dopo aver vinto al Roland Garros… eresia per il team, non è il momento, c’è il torneo del Queen’s che prelude a un’erba ben più prestigiosa. Ma lui non sente ragioni, ha bisogno di staccare, di vedere i suoi amici, di uscire. Situazioni a cui non vuol rinunciare ma, evidentemente, con il senso di colpa latente.

Maria Luisa Colledani

Casa significa silenzio e blu e Jennifer Barclay l’ha trovata a Tílos, dove vive da una decina d’anni. Meglio l’Egeo rispetto alla grigia Inghilterra. Il Dodecaneso, le dodici isole a ridosso della costa turca da Agathonísi, a nord, a Kastellorizo, a sud, è il suo orizzonte, che racconta in Incanto remoto, viaggio per scogli e insenature attraverso storie e volti fuori dai soliti giri perché ha notato cambiamenti drammatici lunghi un secolo e li ha voluti indagare.

Non è una guida turistica, è un atto d’amore, è ricerca per capire la terra che l’ha accolta. In queste acque, gli antichi si sono incontrati e scontrati, nel 1309 Rodi fu conquistata dai Cavalieri di San Giovanni e l’impero ottomano ha dominato a lungo e l’Italia nel 1936 aveva trasferito oltre 16mila italiani ma le catastrofi naturali, le guerre violente, l’oppressione hanno come portato in dote un certo isolamento: «Il mio interesse è diventato quasi un’ossessione per la ricerca di luoghi abbandonati e in rovina da investigare».

Il viaggio inizia a Tílos. Mikro Horio, «piccolo paese», nasce secoli addietro per difendersi dai pirati e cinquant’anni fa è stato abbandonato, tutti in fuga in Usa o Australia alla ricerca di un lavoro. I terrazzamenti intorno, protetti dal vento grazie alle tamerici, testimoniano vita e fatiche antiche. Oggi è solo silenzio e rovine: «In questo paesaggio plasmato dall’abbandono, invece, mi attraggono rinunce più recenti. La bellezza è racchiusa nelle abilità artigianali e nelle storie, che raccontano come si viveva nei secoli scorsi», e la scrittrice, che ha studi classici alle spalle, raccoglie voci e immagini e anche le paure degli ultimi arrivati, i migranti in fuga da guerre e fame.

Ogni isola ha i suoi angoli di incanto e di passato. Vanno cercati prima che il turismo di massa seppellisca oggetti e memoria. Nísyros vale per il cratere del vulcano Stefanos, un paesaggio lunare con il quale fare i conti, e le terme di Pantelidis, ormai abbandonate ma ricche di storie. A Kos ci si può fidare dell’acqua, che a Kálymnos diventa oro grazie alle spugne. Astypálaia è rocce infuocate e finestre per le api; Rodi mille storie di commercianti, briganti e dominatori; Olympos, a Kárpathos, una nuvola colorata appesa al cielo; Caso e Chálki sono le più remote e proprio lì dovete andare, soprattutto ad agosto. E ancor più ad Arki, poche strade, zero cartelli stradali, una famiglia che ha mille capre e il formaggio mizithra più buono dell’Egeo.

A proclamare la cinquina finalista del settantanovesimo Premio Strega, ieri sera, al Teatro Romano di Benevento, è stata Donatella di Pietrantonio, vincitrice assoluta nel 2024. I titoli che hanno superato il vaglio: “L’anniversario” (Feltrinelli) di Andrea Bajani con 280 voti, “Quello che so di te” (Guanda) di Nadia Terranova con 226 voti, “Perduto è questo mare” (Rizzoli) di Elisabetta Rasi con 205 voti, “Chiudo la porta e urlo” (Mondadori) di Paolo Nori e “Inventario di quel che resta dopo che la foresta brucia” (TerraRossa) di Michele Ruol a pari merito, entrambi con 180 voti. Senza tralasciare che proprio “L’anniversario” di Bajani, giusto il giorno prima, si era aggiudicato anche lo Strega Giovani, con 97 preferenze su un totale di 595 espresse, è stato il più votato da una giuria di ragazze e ragazzi tra i sedici e i diciotto anni, provenienti da oltre cento istituti superiori.

Hanno espresso le proprie preferenze, tra voti singoli e voti collettivi, 626 votanti su 700: alla giuria dei quattrocento Amici della domenica si aggiungono come di consueto duecentoquarantacinque votanti dall’estero selezionati da trentacinque Istituti italiani di cultura nel mondo, che esprimono ciascuno sette giurati tra studiosi, traduttori e appassionati della nostra lingua e letteratura, venticinque voti collettivi provenienti da scuole, università e circoli di lettura delle Biblioteche di Roma, trenta voti di lettori forti scelti nel mondo delle professioni e dell’imprenditoria. L’annuncio del libro vincitore si terrà giovedì 3 luglio, al Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia, nella Capitale.

La rivalsa di Nori

La serie di censure subite ingiustamente da Paolo Nori dopo lo scoppio del conflitto in Ucraina, solamente per la sua passione sconfinata nei confronti della letteratura russa, con la conseguente amarezza, trova un contrappeso ideale in questo riconoscimento. “Chiudo la porta e urlo” non è un romanzo: è una dichiarazione d’amore, un atto di fede nell’orizzonte letterario quale espressione di resistenza personale. Paolo Nori scrive — come sempre — con quella voce che sembra non volere scrivere, ma soltanto discorrere: eppure ogni virgola pesa, ogni digressione costruisce un’identità, ogni aneddoto intimo diventa epica del quotidiano. Il cuore del romanzo è Raffaello Baldini, poeta romagnolo che Nori restituisce con una devozione tutt’altro che aulica; ma ne fa materia viva, dolorosa e persino comica. Tuttavia Baldini, al pari di Dostoevskij e di Achmatova, è anche un filtro: è attraverso di lui che Nori guarda il mondo, e soprattutto dentro di sé. La sua scrittura è un’auto-fiction disarmata, in cui l’io narrante non è mai un eroe, semmai un bastian contrario, sopravvissuto per sbaglio a se stesso. E in questa discesa a corpo morto nelle sue fragilità, raggiunge una forma altissima di onestà intellettuale.

Lo Strega tour

L’acclamata cinquina incontrerà il pubblico in diciotto tappe, di cui come sempre una all’estero, il prossimo 17 giugno, all’Istituto Italiano di Cultura a Varsavia. Il giorno dopo, invece, per la prima volta nella storia del Premio, i finalisti atterreranno in Sardegna. L’appuntamento è fissato per mercoledì 18, alle 21, nell’ex caserma di Quartu Sant’Elena. E la serata sarà condotta da Fabio Canino. L’approdo in Sardegna segna un traguardo di rilievo per la promozione del libro e della lettura sull’isola.

Disegno, performance, video, film, installazioni e opere cinetiche. Macchine che intrecciano l’umano, l’animale e il meccanico fino a creare quello che Marcella Beccaria – curatrice della mostra Cutting Through the Past, fino al 21 settembre al Castello di Rivoli – definisce “un inquietante cosmo performativo, nel quale sono protagonisti stati quale desiderio, ossessione, speranza e paura.

Siamo dentro la Manica Lunga, il piano più alto del Museo d’Arte Contemporanea sito a mezz’ora d’auto dal centro di Torino. La protagonista Rebecca Horn (1944-2024), a cui è dedicata la mostra, non c’è fisicamente, ma la sua presenza – fatta di oggetti, immagini, colori, disegni, linee, musiche ed emozioni più disparate – continua a parlare (di e) per lei.

Cutting Through the Past

Cutting Through the Past – la prima retrospettiva a lei dedicata in un museo italiano e la prima grande esposizione dopo la sua recente scomparsa – “è un percorso attraverso oltre 50 anni di lavoro” – ci spiega la curatrice – “riconoscendo il valore di una ricerca quanto mai attuale, anticipatrice del contemporaneo pensiero multispecie e dei possibili nuovi comportamenti ed emozioni che derivano dall’interazione con le complesse e pervasive tecnologie con cui viviamo”.

Una volta dentro, ad attirare la nostra attenzione sulla sinistra è Pfauenmaschine (la macchina pavone), ideata dalla Horn per la sua partecipazione a documenta Kassel, nel 1982, poco distante dai Bodylandscapes, un gruppo di disegni rari del 1964 di grande formato, caratterizzati da una forma arrotondata e da cerchi, simboli del tempo inteso come entità ciclica e non lineare con frequenti allusioni ad una rigenerazione senza fine. Il titolo della mostra è anche quello di una delle sue installazioni più significative degli anni 1992-1993 con cinque porte di legno che ricreano un ambiente domestico dove un’appuntita asta metallica compie una rotazione, arrivando a toccare ciascuna delle porte e scavandone un’estremità con un gesto lieve, ma crudele, come un’arma appuntita che insiste sempre sulla stessa ferita.

Una giuria di 300 lettori anonimi, selezionati su tutto il territorio nazionale in base alle categorie sociali e professionali, diversi ogni anno e i cui nomi rimangono segreti fino alla serata finale, si prepara a giudicare la cinquina finalista della 63^ edizione del Premio Campiello, concorso di letteratura italiana contemporanea promosso dalla Fondazione Il Campiello ‐ Confindustria Veneto.

Venerdì 30 maggio la selezione dei finalisti a Padova, con una votazione nell’Aula Magna G. Galilei di Palazzo del Bo, Università degli Studi di Padova: qui la Giuria dei Letterati ha votato tra gli 81 libri ammessi al concorso dal Comitato Tecnico: al primo turno Wanda Marasco con “Di spalle a questo mondo” (Neri Pozza) con 7 voti, Monica Pareschi con “Inverness” (Polidoro) con 6 voti e Fabio Stassi con “Bebelplatz” (Sellerio Editore) con 6 voti, al secondo turno Marco Belpoliti con “Nord Nord” (Giulio Einaudi Editore) con 6 voti, al quinto turno Alberto Prunetti con “Troncamacchioni” (Giangiacomo Feltrinelli Editore) con 6 voti.

Opera prima

Durante la selezione la Giuria ha inoltre annunciato il vincitore del Premio Campiello Opera Prima, riconoscimento attribuito dal 2004 ad un autore al suo esordio letterario. Il premio è stato assegnato a Antonio Galetta con “Pietà” (Giulio Einaudi Editore).

La Giuria dei Letterati è presieduta da Giorgio Zanchini ed è composta da autorevoli personalità del mondo letterario ed accademico quali: Alessandro Beretta, critico letterario, giornalista, programmer cinematografico e promotore culturale, Federico Bertoni, docente di Critica letteraria e letterature comparate all’Università di Bologna, Daniela Brogi, docente di Letteratura Italiana contemporanea all’Università per Stranieri di Siena, Silvia Calandrelli, direttore di Rai Cultura, Daria Galateria, scrittrice, accademica e traduttrice, Rita Librandi, docente emerita di Linguistica italiana e Storia della lingua italiana e Vicepresidente dell’Accademia della Crusca, Liliana Rampello, critica letteraria e saggista, ha insegnato Estetica all’Università di Bologna, Stefano Salis, caporedattore delle pagine dei Commenti e della Domenica del Sole 24 Ore e Lorenzo Tomasin, Docente di Filologia Romanza all’Università di Losanna e Roberto Vecchioni, cantautore, scrittore, docente universitario.

«“Presiedere per la prima volta la Giuria dei Letterati del Premio Campiello è stata un’esperienza profondamente istruttiva – ha detto Zanchini – . Ho potuto osservare da vicino, con grande curiosità e ammirazione, la serietà, l’impegno e l’assoluta imparzialità che animano ogni discussione e ogni giudizio sui libri».